A l’occasion de la saison 9, qui commence cette semaine sur les écrans américains et qui sera la dernière (cette fois, c’est sur), j’avais envie de vous parler de cette série qui est mon péché mignon depuis 7 ans…

One Tree Hill est centrée initialement sur 2 frères adolescents, Lucas et Nathan Scott (d’où le titre français…), que tout oppose.

Le premier vit seul avec sa mère, Karen, il est bien entouré de son oncle Keith et de sa meilleure amie Haley, et est bien sur adorable. Le second vit avec ses 2 parents, Deb et Dan, il a tout ce qu’il veut, est capitaine de l’équipe de basket et sort avec la jolie pom pom girl blonde, et il est bien sur arrogant et détestable… J’ai dit des frères : Dan est aussi le père de Lucas mais il l’a abandonné pour aller à la fac (oui, Karen a eu Lucas à la sortie du lycée, vous suivez !)… Et il est aussi le frère de Keith (d’où le titre français – bis). Lucas et Nathan jouent au basket, et se retrouvent rivaux lorsque Lucas intègre l’équipe de basket.

Assez vite le point de vue s’élargit, et on suit également les amis de Lucas : Haley en premier, mais aussi Mouth (ou Micro en français), Skills et quelques autres ; ainsi que ceux de Nathan, en particulier Peyton, la copine de Nathan (au départ…), et sa meilleure amie complètement déjantée, Brooke, qui font partie de l’équipe de pom pom girls, bien sûr. Évidemment, tout ce petit monde se mélange et les étiquettes collées dès le début sur les personnages sont à décoller assez vite…

La série ayant échappé plusieurs fois à l’annulation, grâce au soutien sans faille des fans, plusieurs fins de saisons auraient pu terminer la série, et l’histoire peut être découpée en 3 périodes :

Saisons 1 à 4 : les années lycée

Les 4 premières saisons suivent les années lycée de tous les adolescents. Les sujets habituels des séries pour ados sont abordés, c’est sûr, mais souvent de manière intéressante et judicieuse. En premier le triangle amoureux (sujet incontournable visiblement), dont les protagonistes varient : Nathan – Peyton – Lucas, puis Brooke – Lucas – Peyton (celui-là durera longtemps !). Mais aussi, en vrac : le sexe et ses conséquences, les enfants qui arrivent trop tôt, l’adoption, la maladie, la mort, le mal-être des adolescents, la drogue….

Le basket est très présent dans ces saisons, et c’est vraiment très sympa. C’est intéressant de voir l’importance qu’a ce sport aux États-Unis (ça change du foot !). Et ça donne un coté un peu épique à la série, et des scènes très sympa. On suit une équipe (et son coach, qui est excellent !) et on espère qu’elle gagne. Sans parler des pom pom girls (ça, c’est pour convaincre les mecs de regarder) !

Saison 5-6 : 4 ans après

Après la saison 4, One Tree Hill fait un saut dans le temps et on retrouve les personnages, qu’on avait laissé à la fin du lycée, de retour à Tree Hill après leurs études, pour ceux qui en ont fait. Pratique pour situer de nouveau tout ce petit monde au même endroit…

Tous ont réalisé leur rêve, ou presque… Lucas est devenu un auteur à succès avec le livre qu’il avait écrit adolescent. Brooke a étendu son entreprise de couture, Clothes over Bros, qu’elle avait initié dans les premières saisons. Haley vit avec Nathan et leur fils Jamie (pour moi le meilleur gamin de la télé), né à la fin de la saison 4, et devient prof au lycée de Tree Hill. Nathan est en revanche en très mauvaise posture, et on découvre petit à petit pourquoi il s’est retrouvé en fauteuil roulant alors qu’il allait devenir une star de la NBA… Et Peyton revient à Tree Hill sans avoir réussi à percer dans un label de musique…

Le sujet central de ces 2 saisons est la relation entre Lucas et Peyton : vont-ils enfin finir ensemble ou pas ?! Le cliffhanger de fin de la saison 5 est d’ailleurs vraiment excellent…

La saison 6 se termine avec le départ des 2 personnages centraux, Lucas et Peyton. La raison est bien sûr une renégociation des contrats des 2 acteurs qui ne s’est pas bien passée..

Saison 7-8 : One Tree Hill sans son couple phare

Les saisons 7 et 8 sont dans la continuité des saisons 5 et 6, avec un saut dans le temps beaucoup plus court cette fois, et suivent de plus près l’évolution des personnages d’Haley, Nathan et Brooke, et voient arriver de nouveaux personnages pour “remplacer” Lucas et Peyton, Quinn, l’une des soeurs d’Haley, et Clay, l’agent de Nathan.

Ces saisons sont moins marquantes à mon goût, le départ de Lucas et Peyton ayant laissé un grand vide. Néanmoins, c’est toujours agréable de suivre les aventures de ceux qui restent. Et là encore les personnages secondaires, qui ont toujours été là comme Mouth et Skills, ou qui sont arrivés plus tard comme Millie, Alex et Chase, sont très importants et alimentent pas mal l’histoire. Et puis depuis le temps, ils sont tous un peu des amis qu’on n’a pas envie de quitter, et on est très content que tout s’arrange : que Brooke finisse par trouver l’amour et devenir maman, que le couple Nathan et Haley ait résisté et eu un deuxième enfant, tout ça…

La saison 8 a encore bien failli être la dernière, et la commande de la saison 9 (courte : 13 épisodes) n’a eu lieu qu’après le tournage de la fin de la saison 8… Alors, que peut bien nous réserver la dernière saison ?!

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J’aime vraiment beaucoup cette série, pour plein de raisons.

Il y a une histoire, des intrigues bien ficelées et renouvelées (même si l’arrivée d’un nouveau psychopathe dans plusieurs saisons – au moins 3 – a failli nuire à la crédibilité ). Les sujets abordés sont variés et peuvent toucher tout le monde, et ont largement évolué avec le temps et l’âge des personnages (et donc le mien, ce qui peut expliquer mon enthousiasme). Les épisodes et les saisons sont toujours extrêmement bien construits, les cliffhangers sont très bien amenés et très créatifs.

On suit plein de personnages, auxquels on s’attache facilement, ou qu’on déteste cordialement (difficile d’aimer Dan…). Tous les personnages, principaux et secondaires, sont importants, et il y a une réelle volonté de tous les faire évoluer et apprécier. Je pense que tout ça est dû à la présence tout au long des différentes saisons du créateur de la série, Marc Schwahn.

On sent également une très bonne entente et une grande complicité des acteurs. Leurs talents personnels (autre que le jeu…) sont souvent exploités, soit ponctuellement dans un épisode, soit dans l’évolution même des personnages. James Lafferty, qui joue Nathan, jouait au basket avant de jouer dans la série (bon, ce n’est pas le meilleur exemple, il a été casté pour ça ). Bethany Joy Galeotti, qui joue Haley, est musicienne et chanteuse et dès la saison 2, Haley devient également chanteuse. Lee Norris, qui joue Micro, danse extrêmement bien, ce qu’il démontre dans plusieurs épisodes de la série. La scène dans laquelle il reproduit la chorégraphie de l’équipe de pom pom girls concurrente est géniale… De plus, ces acteurs font preuve de beaucoup d’humour et d’auto dérision : je me souviens d’une réplique qui vannait les actrices de la CW (la chaine qui diffuse One Tree Hill aux Etats-Unis) et qui m’a fait mourir de rire.

Il y a également un vrai respect des fans du monde entier. Les acteurs diffusent régulièrement des news et communiquent avec eux sur les réseaux sociaux, et leur font très bon accueil quand certains se rendent à Wilmington où est (était…) tournée la série… Ce sont d’ailleurs probablement les fans qui ont sauvée la série à chaque fois, par des pétitions et autres votes…

Et enfin, la musique est omniprésente dans One Tree Hill, et la série m’a fait découvrir pas mal de groupes très sympa, dont certains ont même eu un rôle dans la série. Mais ça fera l’objet d’un autre article…

Cette actualité artistique a été source d’une multitude de découvertes pour moi : 1) Charlie a eu des enfants (onze au total ! quel homme !…), 2) ces enfants sont toujours vivants… pas tout jeunes, mais vivants !, 3) deux d’entre-eux (à ma connaissance donc) sont artistes et se produisent régulièrement à Paris, etc. Pour revenir à la question de l’âge et physiquement, j’ai d’ailleurs trouvé Victoria Chaplin étonnante. On se rend bien compte qu’elle n’a plus 20 ans (of course… puisque née en 1951), pourtant, de part sa minceur et ses longs cheveux lisses elle entretient un physique de « petite fille ». Cela l’aide bien notamment dans le cas des numéros où elle fait appel à toutes les ficelles du contorsionnisme !

Ce spectacle est un choix idéal en cette fin d’année (ou pour commencer la nouvelle… année !) sur une note de fraicheur et de poésie avec des artistes qui, bien qu’ayant dépassé la soixantaine, pétillent de jeunesse. Victoria Chaplin et Jean-Baptiste Thiérrée nous emmènent dans un monde de leur imagination et dans lequel ils réinventent les règles du cabaret.

Le couple mêle extraordinairement cirque, danse, carnaval, chant, mime, clownerie, etc. Ce spectacle de deux heures se développe selon un programme où chaque minute n’est que nouvel émerveillement. D’une manière générale Victoria et Jean-Baptiste alternent les « numéros » (il s’agit  de plus que de « simples » numéros en réalité mais plus réellement de « performances » artistiques). Elle, sur des aspects que nous qualifierons de poétiques et oniriques, lui dans un univers que nous décrirons comme décalés et humoristiques. Bien entendu, à certains moments, les deux complices se retrouvent et nous font voyager vers les contrées de l’imaginaire.

Lorsque j’évoque les clowneries de Jean-Baptiste Thiérrée, n’imaginez cependant pas les clowns des cirques Pinder ou Gruss. Imaginez plutôt un clown qui se moque des clowns, un clown qui rit tout haut de ce que tout le monde rit tout bas (rire des chants religieux, des chants exagérément dramaturgiques des divas, etc.), ou encore un clown qui parodie les prestidigitateurs de pacotille tout en réinventant une nouvelle forme de magie !

En outre, comment vous décrire l’ensemble des costumes, des robes, des chorégraphies, des gadgets improbables, imaginés par ces deux fous géniaux et auxquels ils recourent pendant ces deux heures géniales ? Selon la manière dont les artistes y recourent, ces derniers se métamorphosent tantôt en plantes tantôt animaux rêvés ou bien « cauchemardés » ! Par exemple, Victoria Chaplin danse dans un robe très ample puis à un moment sa tête disparaît dans la robe, elle tombe, se met à rouler par terre et des jeux lumineux et sonores nous font imaginer un animal des abysses. A un autre moment, Victoria Chaplin et Jean-Baptiste Thiérrée apparaissent tels des robots, recouverts de pièces de vélos, et leurs ombres projetées sur un écran les transforment en insectes géants !… Etonnant !

Alors que je finis de rédiger cet article je constate que sur wikipedia-est-mon-ami il est indiqué que les spectacles de Victoria Chaplin et de Jean-Baptiste Thiérrée ont pu inspirer, sous certains angles, les spectacles du Cirque du Soleil dont j’ai pu apprécier le dernier d’entre-eux en cette fin d’année. Les deux spectacles et le cadre dans lequel ils se déploient respectivement est pourtant bien distinct. Le Cirque Invisible appartient à la famille de spectacles qu’on rapproche des « nouveaux cirques » (moins les bestioles, moins la cavalerie, moins l’orchestre, etc.). Le Cirque du Soleil pour sa part est une grosse machine bien huilée à l’américaine (vente de popcorns, gadgets, aucun imprévu possible, etc.). Cette dernière caractéristique m’a  d’ailleurs déçu et c’est justement l’ambiance aseptisée et bien-pensante qu’on essaie, souvent, de fuir sur ce blog… Si vous deviez choisir un spectacle à voir les prochains jours, sans hésitation, je vous recommanderai :

Le Cirque Invisible

Au Théâtre du Rond Point jusqu’au 14 janvier, à 21h

Et… -30 ans : 14€ ! une occasion à ne pas louper donc

Commençons par Mike Oldfield. Oui, le monsieur de Tubular Bells. L’album qui nous intéresse ici est son douzième album, Amarok. Il faut savoir que depuis ses débuts, Mike était lié à Virgin, qui l’a signé parmi ses tous premiers artistes. Richard Branson, le président de Virgin, aurait quelque peu abusé de sa grande timidité, en lui faisant signer un contrat pour treize albums, et lui demandant ni plus ni moins de refaire un deuxième Tubular Bells, son premier album au succès planétaire. Et c’est précisément avec cet album, Amarok, qu’il fera … tout le contraire. Il est l’album anti-commercial par excellence. Une longue plage d’une heure, constituée de collages sans interruption de nombreux petits morceaux (tous beaucoup trop courts pour pouvoir devenir un single), et de bruits en tous genres. Dès le début, on est agressé par des éruptions sonores au volume volontairement élevé, destinées à décourager les gens qui jetteraient une oreille au disque aux bornes d’écoutes des supermarchés. Totalement déconstruit (du moins c’est ce que l’on peut croire à la première écoute), ce long morceau nous fera découvrir au détour de ses méandres Mike se brosser les dents, ou une voix nous demander à plusieurs reprises : Happy ?, ou encore un synthé envoyer un message codé en morse : FUCK OFF RB (messages clairement destinés à Richard Branson). Enfin, le final du morceau est tout simplement annoncé par une speakerine, non sans humour. Ce sera l’avant-dernier album d’Oldfield chez Virgin.

Mais alors, me direz-vous, qu’en est-il de la musique ? Et bien, aussi étrange que cela puisse paraître, cet album n’est rien de moins qu’un chef d’œuvre. Malgré sa structure en patchwork, cet album n’est pas pour autant dénué de cohérence. Tout au long de cette heure de musique, on va en effet retrouver le même thème, parfois subtilement dissimulé, parfois maltraité, défiguré, cassé en morceaux, reconstruit, puis recassé à nouveau, avec des arrangements extrêmement riches et variés, qui n’en finissent plus de nous surprendre et de nous faire rire. La guitare occupe évidemment une place centrale, tantôt acoustique tantôt électrique (le bonhomme est d’ailleurs un sacré virtuose de la six cordes, soit dit en passant), mais on croisera aussi des chœurs africains, du banjo, de la harpe, de la cornemuse, du xylophone, une flûte qui semble sortie tout droit de chez les hobbits du seigneur des anneaux, et j’en passe … Et le final, mesdames et messieurs, est absolument majestueux, sublime, avec une intensité digne d’un Beethoven.

Quelques extraits (mais sérieusement, écoutez l’album en entier !) :

Vous connaissez les Melvins ? Si vous ne connaissez pas, vous devez sans doute connaître Nirvana (ou alors votre cas est désespéré) … Ah, les années 90 ! L’époque du grunge, des rockeurs crades à cheveux longs, aux chemises à carreaux et aux jeans déchirés, et le succès interplanétaire et totalement inattendu du groupe de Kurt Cobain. Forcément, vous imaginez bien que les majors ont voulu tirer leur épingle du jeu. Notamment Atlantic, en voyant le succès de ce nouveau courant musical, a voulu en profiter en signant les Melvins, les “vétérans du grunge”, et accessoirement potes de Nirvana. Mais c’était sans compter sur le rock anticonformiste, nonchalant, gras et tatoué, mais surtout débordant d’auto-dérision des américains. Évidemment, nos amis n’étaient pas contre se faire un peu de fric pour continuer à manger et à faire du bruit, mais pas question de faire la moindre concession musicale ! Deux albums voient donc le jour chez Atlantic, Houdini et Stoner Witch, puis les Melvins sortent l’album Prick sur un label indépendant, Amphetamine Reptile. L’album n’est pas publié sous le nom Melvins, mais sous le pseudonyme Snivlem (attention message crypté !). Chez Atlantic, ça commence alors à tiquer, mais quand les Melvins leur mettent l’album entre les oreilles, ils réalisent qu’effectivement ils n’en auraient jamais voulu. Des collages loufedingues, des morceaux qui n’en sont pas vraiment, un gros bordel, et même un vague pastiche du Eruption de Van Halen … Bref, une vaste blague.

Ca continue donc chez Atlantic pour les Melvins, et c’est sur ces entrefaites qu’ils leur livrent un troisième album, Stag. Cet album, c’est toujours du Melvins, mais beaucoup plus déjanté que les deux précédents. Un album extrêmement jouissif, du rock sous gaz hilarant. Ca part dans toutes les directions : du gros rock qui tâche, du rock presque métal ou noise par moments, mais aussi des morceaux vaguement funky et un peu boiteux, annonçant l’excellent The Bootlicker qui sortira trois ans plus tard,  des plages plus ambiantes, une ballade chantée sous hélium, et un morceau de rock gras accompagné d’une trompette jouant plutôt dans un registre que je qualifierais de “pouet pouet”, qui m’a juste valu un fou rire de deux minutes la première fois que je l’ai entendu :

Cette fois, c’en est trop pour Atlantic. Dehors les Melvins ! Pas de problème, ils continueront tranquillement chez Amphetamine Reptile.

Pour finir, l’exemple le plus ancien à ma connaissance, est celui de Lou Reed. Oui, Lou Reed, l’ex-chanteur du groupe culte The Velvet Underground (notamment pour leur album à la banane signée Andy Warhol), qui officie dans un style pop-rock qu’on pourrait plutôt qualifier de classique. Pourtant, après quelques albums solos, le père Reed sort, en 1975, un album qui ne représente rien de moins qu’un suicide commercial. Alors chez RCA Records, il y sort ce double vinyle, constitué d’un seul et unique morceau (mais découpé en 4 pour tenir sur les 4 faces des vinyles) nous envoyant en pleine face et pendant plus d’une heure un bruit ininterrompu, un entrelacs de larsen, accords dissonants de guitare ultra-saturée, le tout samplé et empilé jusqu’à plus soif. Comble du supplice, dans la version vinyle, le disque était pressé de façon à ce qu’en arrivant à la fin de l’album, la tête de lecture saute et parcoure le même sillon à l’infini … Vous l’aurez compris, cet album n’en est pas vraiment un, et très honnêtement je me demande si quelqu’un a déjà réussi à l’écouter dans son intégralité, en tout cas moi pas. Mais pas de licenciement à la clef pour le sacré Loulou, on lui a juste gentiment demandé de ne “plus jamais faire ça”.

Allez, juste pour le plaisir :

Pour la première fois depuis un bail, je me suis réveillée à l’aube le samedi matin. Pas d’incendie, de maladie infectieuse nécessitant une hospitalisation rapide ou une chute inopinée du haut de ma mezzanine mais une expo photo !

Quand Suzou m’a dit « On va à la fondation Cartier Bresson ? », vous vous doutez bien que j’ai bondi sur l’occasion de retourner dans ce lieu si chouette où nous avions déjà été voir l’exposition sur Harry Callahan (au merveilleux tarif -26 ans de 4 euros).

Pour le plaisir des yeux, un autre article à deux mains de la team Suzou-Playne ! Youhouhou !!

En attendant que Suzou sorte du métro, et comme j’avais 5 minutes d’avance, j’ai pu profiter un peu du banc posé devant la fondation HCB. Des petits oiseaux, et le ballet des gens matinaux entrant et sortant de la fondation. Détail amusant, j’ai compté au moins 3 personnes avec des appareils photos (dignes de ce nom).

Comme la dernière fois, zéro idée de ce qu’on allait voir mais j’ai une confiance assez totale et absolue dans le bon goût de Suzou et de la fondation HCB, donc je n’ai pas été déçue du voyage. Je ne vais pas vous faire ma précédente diatribe sur la cire d’abeille qui embaume les escaliers ensoleillés du lieu, pour la simple et bonne raison que je suis enrhubée. Donc j’ai l’infini honneur de parler comme Daffy Duck.

Avant de grimper vers les deux salles, un petit texte explicatif (avec une faute passablement rigolote cachée dedans…) permet d’éclairer (sans mauvais jeu de mot et de lumière) mais surtout de situer l’œuvre de Lewis Hine. En effet, le monsieur est un « combattant acharné pour la justice sociale », comme l’en témoigne son imposante biographie cachée dans un recoin de la première salle. Le but de Hine n’est pas de faire de la « belle » photographie, on est plus dans la photographie documentaire. L’image « plus réelle que la réalité elle-même » donc.

C’est donc fortes de ce postulat que nous avons tranquillement déambulé dans les salles de l’exposition. J’apprécie toujours autant la mise en scène des expos de la fondation HCB, bien dosée, une lumière optimale, et des photographies accrochées à hauteur d’homme (et non pas de troll ou de hobbit). Vrai, et ça ça compte énormément !!

Les subtilités de la traduction, ici la VO disait un truc du genre "Heavily handicapped in every way", là où la version française dit "Un enfant des rues lourdement handicapé".

Les photographies sont regroupées par thèmes (qui correspondent aux différentes périodes/commandes, si j’ai bien tout suivi). On découvre donc des portraits d’immigrés d’Ellis Island, de toutes les nationalités, sans une once de pathos ou autre.

C’est peut être ce qui m’a le plus plu dans l’exposition : cette « neutralité » du regard, qui rend la photo très digne (ce qui est pas forcément le plus facile quand on fait des portraits de gens dans une misère et des conditions peu enviables).

Je crois que ma partie préférée de l’exposition reste son travail pour le National Child Labor Committee, effrayant et touchant à la fois. Je suis restée bloquée devant une image d’enfants sortant de la mine, et d’un portrait de conducteur de mule (si ma mémoire ne me fait pas défaut)…j’ai eu le sentiment d’avoir sous les yeux un documentaire sur des zombies. Les yeux brillants, la suie et les marques sur le visage…brr.

Mention très spéciale aussi pour les photos sur l’Empire State Building. Je dois dire que l’exploit est particulièrement bien rendu dans cette série des photos : que ce soit celui des rivetiers, travaillant à des centaines de mètres de hauteur sans sécurité ni protections aucunes, mais aussi du photographe. Une photo bien agencée dans un coin de la fondation permet de voir l’homme en action, et je crois que le terme de « boite » serait presque à remplacer par celui de « valise », « poids », ou encore « Mais WHOA c’est énorme ce machin ».

Il ne reste plus qu’une poignée de jours pour aller voir l’exposition, donc je vous recommande très chaudement d’aller y consacrer une petite heure rapidement.Comme toujours une très belle exposition de la fondation HCB, qui nous fait découvrir un photographe, dans un lieu agréable !! Courez-y !!!
Pour les détails techniques, et en apprendre un peu plus sur l’exposition et le photographe, ça se passe par ici !

Et oui, trois fois en un mois, ça commence à nécessiter une carte de fidélité …
La saison 2012 des concerts est définitivement sociable (cf théorie évoquée il y a peu dans mon article sur Volbeat), et c’est donc en charmante et rousse compagnie que je me suis rendue avec un enthousiasme non feint et des vieilles courbatures datant du concert précédent à Porte de Pantin pour rejoindre mon nouveau QG.

Shaka Ponk m’avait été décrit il y a un an et des briquettes (à vue de nez de Cyrano) comme un truc que je devais absolument écouter, un must have total, le meilleur groupe du monde, etc.
Après avoir tourné sur leur discographie avec enthousiasme pendant un bail, et attendu leur dernier album comme une espèce de mini-messie musical, je peux vous dire que j’étais passablement survitaminée à l’approche du concert, Shaka Ponk ayant un effet totalement euphorisant. C’est simple, lorsque j’enchaine 3 ou 4 chansons du groupe, j’en bondis tel un kangourou…

Travail des autres gens oblige, ce n’est qu’à 19h50 que nous arrivons triomphalement au Zénith faire biper nos billets.
Un loot de tee shirt plus tard (je ne perd pas les bonnes habitudes), nous récupérons les deux géants (pas verts) avant de filer dans la fosse jeter une oreille au groupe ayant la lourde tâche d’ouvrir pour Shaka Ponk. Aux dires des habitués qui m’accompagnaient vendredi dernier, c’est presque une tradition d’envoyer des groupes n’ayant aucun rapport au casse pipe ouvrir pour Shaka Ponk.

Vendredi soir, c’était donc un groupe que je suppose britannique (ou alors, ayant un accent assez fabuleux !), Evaline, qui s’y collait. Un peu planant, avec un chanteur qui évoluait sur scène comme s’il était déchiré, et un dude qui s’acharnait sur une cymbale comme s’il était Thor (ou un péon dans AOE I qui construit une maison). Je vous avouerais qu’à ce moment là, la conversation avec mes petits camarades de jeu était nettement plus intéressante que ce qui se passait sur scène, donc je n’ai prêté qu’une oreille distraite à la chose.

Après avoir poireauté patienté une petite demi-heure bien au chaud dans la fosse [Oui, il ne faut pas déconner, Shaka Ponk, pour danser dans les gradins, non merci] il est 21h04 et les lumières s’éteignent…

Sur la scène, un grand cercle (oui, j’ai failli écrire Stargate, sauf qu’il manque les chevrons ) et une grande tenture permettront au groupe de projeter plein d’images diverses et variées, et de donner à Goz un panel de mouvements assez large. Pour avoir énormément apprécié tout ce qui touche à l’image du groupe, que ce soit leurs pochettes d’album, leurs clips, ou leur site internet je dois dire que j’ai été assez rapidement séduite par toute cette facette de la performance (parce que c’est vraiment le terme approprié).

J’avais gardé un souvenir positif du jeu d’écrans / groupe au concert-blague d’Ulver, mais là c’était carrément un autre niveau. C’était bien pensé, et tout ce qui se passait sur les écrans donnent un relief supplémentaire tout à fait intéressant au concert : déjà, ça permettait de suivre à peu près le nom des chansons, d’en prendre plein les yeux (oui, parce que c’est aussi délicieusement bien fait), et de pouvoir suivre les tribulations de Goz, le singe virtuel membre de Shaka Ponk.

Le concept est poussé au delà du simple “oh, et si on mettait des clips de nos chansons en fond ?”, comme a pu en témoigner le (rituel, semble-t-il) duel entre Goz et le batteur – qui a duré 5 bonnes minutes au bas mot. Excellent, bien fait aussi bien musicalement que visuellement parlant. C’était une des nombreuses excellentes surprises de la soirée …

Niveau setlist, le nouvel album “The Geeks And The Jerking Socks” était bien évidemment à l’honneur, mais ce n’est pas un set exclusivement centré là dessus que les Shaka Ponk nous ont délivré. Je ne connaissais le groupe que depuis peu (dans l’absolu), mais j’ai très rapidement  eu le sentiment d’avoir assisté à un concert qu’il ne fallait pas louper… Comme nous l’a expliqué le chanteur, avec il faut bien le dire, pas mal d’émotion, le groupe en a un peu chié pour en arriver là.

Morceaux choisis :
“C’est pas sous prétexte qu’on remplit un Zénith qu’on dit pas bonjour.”
“On a eu des embuches, des embuscades, et on a rencontré des cons. Mais ce soir, nous avons gagné.”
“Il y a 7 ans, une petite fille est née (…) Et pendant qu’on faisait des concerts devant personne, je ne l’ai pas vu beaucoup. Pour toutes ces absences, je vous demande de chanter pour elle (…) “
“Time flies, le temps s’envole. Je vais faire une petite cassure, regarder vos têtes pour ne jamais les oublier.”
“Je fais ce que je veux avec mon micro” “On est allés voir un producteur qui nous a dit “qu’est ce que tu veux que je fasse avec ton singe de merde et tes chansons pourries ?“, donc on est allés en voir un autre qui nous a dit : “qu’est ce que tu veux que je fasse avec ta musique de merde et ton singe pourri ?“. Et ensuite, on a trouvé un label indépendant, une famille d’accueil.”
“Les grands patrons c’est pas important, c’est vous qui êtes importants !”
“On va faire une chanson d’un mec inconnu” avec Bertand Cantat sur scène, tout le monde s’attendait à un morceau de Noir Désir, étrangement. Je ne vous dis pas la surprise quand c’est du John Lennon que le groupe a commencé à chanter ! Je vous épargne le débat sur le “pour ou contre Bertand Cantat”, tellement je trouve ça stérile (et accessoirement, ça n’a aucun rapport avec la choucroute). Tout ce que j’en dirai, c’est que Shaka Ponk a fait un pari relativement couillu, au sens où faire un duo sur album avec le dude et l’inviter sur scène pour cette date sold out au Zénith, il y a un pas.

A 23h07, c’est la fin d’un concert que je qualifierais de mémorable. Je me suis rarement autant démenée dans une fosse, pour en sortir aussi crevée (au point de devoir faire une étape ravitaillement avant de me rapatrier en métro histoire d’éviter le malaise …!). Je crois que j’ai bondi du début à la fin du concert, quasiment sans interruption – enfin juste quand techniquement la machine ne suivait plus (et que le brain n’était plus irrigué ?) – et pas que pour voir ce qui se passait sur scène.

Histoire que vous puissiez vous repasser avec délectation le concert, voilà la setlist :
1. Shiza Radio
2. Reset After All
3. Hombre Que Soy
4. Twisted Mind
5. Hell’O
6. Sex Ball (ou la chanteuse fait s’assoir une fosse entière avant de marcher au milieu, tranquille pépère)
7. I’m Picky (avec des images de strip-teaseuses !)
8. Prima Scene
9. Brunette Localicious
10. Dot Coma
11. Te Gusta Me
12. Run, Run, Run
13. Battle Goz VS Ion
14. Kids In America (reprise)
15. My Name Is Stain
16. How We Kill Stars
17. Let’s Bang

Rappels :
#1 : Palabra Mi Amor (avec Bertrand Cantat)
#2 : Instant Karma (reprise mélangée aussi avec un peu de “All You Need Is Love”)
#3 : French Touch Puta Madre.

Oui, parce que voyez-vous, quand je me promène dans Paris, je croise Machine Head au complet sur le Pont Neuf. Et ça, c’est quand même assez priceless.
La réalisation de “Marrant, mais la tête de ce mec avec un tee shirt qui dit un truc du style “I can’t belive how gay Linkin Park is” me dit quelque chose. Oh, et puis ce dude chauve aussi… Oh mais … Okay. Je viens de croiser Robb Flynn” en traversant la rue, c’était plutôt intéressant à vivre. “Machine Head, au complet, en train de faire une photo-souvenir avec la Tour Eiffel en arrière-plan. A 16h50, pour être précise. Bon, évidemment, j’ai dû mettre facilement 3h à m’en remettre …
Si vous êtes un habitué du blog, ou que vous me connaissez IRL, ou que vous stalkez ma page last.fm vous savez à quel point j’aime Machine Head.
Genre si il y avait un top 3 à faire, ils sont dedans (avec Anathema et Opeth), et Machine Head ça a été une de mes plus grandes claques musicales de tout les temps.
Leur dernier bébé, succédant à l’excellentissime The Blackening était donc un peu à l’honneur ce soir, mais accessoirement, je venais aussi goûter à DevilDriver en live !

Après avoir grommelé mon énervement dans la ligne 4 qui s’obstine à merdoyer quand je dois la prendre pour aller à un concert, me voilà à 19h pétantes devant le stand de merch’ à creuser mon déficit budgétaire en lootant du tee shirt de qualité. En bruit de fond : les ricains de Darkest Hour.
Une grimpette d’escaliers plus tard, et me voilà bien confortablement -autant que faire se peut sur les sièges en plastique du Zenith- installée quasiment en face de la scène  au premier rang du dernier batch de gradins (histoire de vraiment être précise de chez précise). Aujourd’hui encore,  le Zénith est en configuration “minimaliste” : un petit coup de rideau sur les deniers gradins en haut, et les gradins de côté devant (mon perchoir au concert d’Alice Cooper) ont été fermés. Et ce soir, pas d’histoires de “rentrez par la porte Z”, on circule librement entre la fosse et l’ensemble des gradins (et c’est à mon avis une excellente mesure pour que les gens puissent récupérer un peu entre deux plongées dans le pit infernal qui a tourné ce soir).
Le premier groupe se laisse écouter gentiment, et le premier circle pit de la soirée commence à fleurir sur “Violent By Nature”. Suivent “Your Everyday Disaster”, que j’ai bien aimée, et “Love Is A Weapon” dont le titre m’a fait sourire. A 19h28 : fin du premier set. Plutôt chouette, mais sans vraiment de plus particulier. Je n’irai pas jusqu’à dire que j’irai écouter la version CD, mais ça se laissait écouter (même si le chanteur ne m’a pas fait forte impression malgré tous ses efforts pour pousser dans le grrr).

Histoire de patienter, on nous passe un petit Heaven Shall Burn (testé et approuvé par mon compagnon de concert – je vous conseille donc d’y jeter une oreille). Mention spéciale au monsieur qui s’occupait du soundcheck : “1,2, drink beer ! 1,2, smoke weed !”.

19h42 : C’est au tour de DevilDriver de grimper sur les planches d’un Zénith chaud comme une baraque à frites un 15 février. Un peu à ma grande surprise, et à celle de pas mal de monde aussi semblerait-il…puisque je m’attendais à les voir (logiquement) passer *après* Bring Me The Horizon.

Une intro qui poutre du poney nain, End Of The Line, what else ? Une scène éclairée de violet et de spots verts, et une bonne flopée de spots qui balayent toute la salle de marbrés blancs et jaunes…on en prend plein la face, et ça fait du bien. Sur scène, du côté de l’ingé-son, c’est un peu caca si vous me passez l’expression. Je m’explique : DevilDriver, c’est un groupe que je connais bien. Voire très bien. Voire par cœur, parfois. Et là … pfeuh. J’ai juste pas reconnu certaines chansons (et pourtant l’inénarrable “I Could Care Less”, pour la louper il faudrait être une loutre), ou eu l’impression qu’il y avait un truc qui déconnait dans les sonorités globales du bouzin. Pourtant, Dez Fafara avait l’air bien en voix, et tout avait l’air de rouler sur les planches. Un peu dommage, donc. J’avoue que du coup, je n’étais pas totalement emballée et enthousiaste à 20h18 quand ces messieurs quittent la scène. Contente d’avoir vu DevilDriver en live pour la première fois, mais je trouve ça un peu bête qu’ils aient été desservis par un son franchement pas à la hauteur. Pour en avoir causé en sortant du concert avec un autre amateur (fin connaisseur devrais-je dire !) de la chose, on est d’accord sur ce point : le son a merdoyé.

Setlist DevilDriver :
1. End Of The Line
2. Head On To Heartache ["This is a love song..."]
3. Dead To Rights
4. You Make Me Sick ["This is a song about we treat each other..."]
5. Not All Who Wander Are Lost (?)
6. Before The Hangman’s Noose
7. I Could Care Less
8. Clouds Over California.

Un petit morceau de Children Of Bodom plus tard, le fond change pour la troisième fois et c’est au tour de Bring Me The Horizon de monter sur scène à 20h32. Et ce n’est malheureusement qu’à 21h15 qu’ils quitteront enfin la scène en se faisant huer comme il sied. Vous l’avez compris, je n’ai pas du tout accroché. Enfin, plus exactement, réussir à m’endormir en plein milieu d’un concert du genre je ne pensais pas que c’était dans le domaine du possible. Et bien là, j’ai eu du mal à contenir mes bâillements et la torpeur qui m’a gagné dès la fin de la première chanson. “Justin-métal-bieber-core” est le seul truc qui m’ait sauvé de l’encéphalogramme plat pendant leur passage. Et je dois dire que de piquer à Disturbed le célèbre “Oh-wa-ha-ha-ha” de “Down With The Sickness”, j’ai trouvé ça totalement lame. C’est dit.

Bref. Un petit “Run To The Hills”, des tests de guitare en jouant du Slayer et un élégant “Diary Of A Madman” (yay ! yay ! yay!) nous amènent à 21h47 au début de la performance du clou de la soirée : Machine ‘Fucking’ Head !
Inutile de vous préciser qu’à ce moment là, la fosse était plus que pleine et que dans les gradins, on a commencé à se mettre debout histoire de voir quelque chose mieux participer…

Une intro de circonstances (oui, si vous vivez encore dans une grotte vous n’aviez en effet pas de raison de connaître l’existence d’Unto The Locust, et si ce n’est pas le cas vous n’avez tout simplement aucune excuse), et c’est parti pour de la joie en barres. Oui, carrément.
Je ne sais pas si c’est un effet de leur promenade sur les quais, ou si c’est l’alcool (“Santé Motherfuckers, santé !”) ou si c’est hormonal, mais c’était un chouette concert de Machine Head.

Je vous avoue que j’étais totalement sceptique en écoutant Unto The Locust pour la première fois. Pas que tout ce que j’aie entendu m’ait déplu, mais passer après ce que je considère être l’Album du groupe (voire de la décennie dans le cas présent) – c’est un sacré challenge, voire mission impossible. Du coup, j’avais peut être jugé un peu hâtivement certaines chansons de l’album, que j’ai découvert sous un autre jour en live.
“I Am Hell”, pour commencer. A l’écouter sur CD, je m’étais demandé si ils n’étaient pas devenus fous ces très grands bretons…”des chœurs, et puis quoi encore ?” (pour résumer). Me voilà obligée d’admettre qu’en live, ça poutre assez violemment.
Et aussi “Locust” : ” when there’s a swarm of locust, once they’ve gone,  you only see the aftermath. This song is a metaphor, for those people who behave like locusts and I know you know what I’m talking about Paris”, ou encore”The Darkness Within”, que le sieur Flynn a introduite comme : “this is a song about music. We’ve been doing this for 17 years. [...] We were drawn to metal, because we were the outcasts, we were the freaks. And the four of us [parlant du groupe], we need that. We need to be on stage, we need to let that anger and pain out.”
On peut voir ça comme mon côté d’éternelle choupette sentimentale, mais du coup ça a un peu totalement modifié ma perception de ladite chanson…et de mon interprétation des paroles (que j’avais trouvées limite simplistes au début…).
Histoire de ne pas totalement être sérieux non plus, entre deux chansons, Robb va aussi gratifier la salle de nombreux “Santé !” et lancer des bières en cloche au dessus de la fosse histoire de rafraichir pas mal de monde ^^
Dans la série des histoires amusantes, le public sera incité à de nombreuses reprises à headbanger un peu sérieusement (et ça, ça fait que le lendemain, non seulement t’as mal aux pattes, mais t’as aussi plus de cou !), à taper dans ses mains, mais surtout à chanter plus fort que le groupe. Flynn, qui semblait d’excellente humeur, a remercié les gens de la fosse, les gens du premier rang, mais aussi “all of you motherfuckers rocking hard in your seats up there”. Top kawai super choupi, donc.
A 23h10, pif, les lumières s’éteignent et c’est un Zénith pas motivé du tout pour finir qui va s’égosiller et taper du pied pendant 4 bonnes minutes avant que le groupe ne revienne pour deux rappels particulièrement chouettos !
Sur “Halo”, Flynn incite aussi le public à mettre dans l’ambiance ceux qui ne sont pas totalement à fond en les aidant aimablement à headbanger d’un bras secourable …
Et enfin, après que les dernières envolées de Davidian soient terminées, Flynn s’amuse quand même à faire hurler la salle, façon hola géante et simultanée pendant 3 bonnes minutes. Visiblement, il n’avait pas spécialement envie de quitter les planches d’un Zénith dans lequel il fait décidément très chaud …

Histoire de vous faire bavoter un peu, voilà la setlist :
1. I Am Hell
2. Be Still And Know
3. Imperium
4. Beautiful Mourning
5. The Blood, The Sweat, The Tears
6.Locust
7. This Is The End (qui eut cru qu’Adam Deuce ait une si jolie voix ?!)
8.Aesthetics Of Hate (dédié à Dimebag)
9. Darkness Within
10.Old
11. Intro de l’album Supercharger : Declaration
12. Bulldozer
13.Ten Ton Hammer

Rappels : Halo, Davidian.

Les vidéos sont en cours d’upload, et si vous avez des photos que vous voulez partager, je suis preneuse !
(Mon appareil m’ayant salement lâché à deux minutes du concert, je compose avec les moyens du bord).

L’histoire se déroule à Jackson, Mississipi en 1962. Aibileen est une bonne noire qui travaille pour la famille blanche Leefolt, chez qui elle élève notamment la petite fille de 3 ans, Mae Mobley, dont la mère Elisabeth ne s’occupe pas vraiment. Elle a appris à se taire et à ne pas répondre aux provocations des blancs. Minny est aussi une bonne noire qui, elle,  ne sait pas tenir sa langue. Elle travaille pour les Holbrook, dont la femme Hilly est la pire peste de la ville et milite pour l’installation de toilettes séparées pour les employés noirs. Eugenia “Skeeter” Phelan est une jeune blanche, célibataire, qui vient de terminer ses études et est revenue chez ses parents. Elle rêve de devenir journaliste ou romancière, pas seulement de se trouver un mari, et est une amie des patronnes d’Aibileen et Minny.

Le livre est raconté alternativement du point de vue de chacune de ces 3 femmes. On partage les réflexions, négatives mais aussi positives, d’Aibileen et Minny sur leur vie, leur condition de noires, leur travail, leurs employeuses. Leur sentiment d’impuissance ou de révolte. Leurs moments de complicité. On comprend aussi comment, après que celle qui l’a élevée soit partie sans explication, Skeeter s’intéresse peu à peu au point de vue de ces bonnes et décide d’en écrire un livre, tout en décrochant de sa place bien confortable dans la communauté blanche de Jackson. On partage aussi les difficultés qu’elle rencontre à convaincre les bonnes noires de témoigner. Et on s’angoisse aux risques que toutes courent à aborder ces sujets tabous dans l’Amérique encore ségrégationniste des années 60, alors que la lutte pour les droits civils des noirs débute à peine… Mais l’histoire ne contient pas seulement les moments difficiles de cette époque, elle est aussi pleine d’humour. Le sujet des toilettes, partagées ou séparées, y joue bien sur un rôle. Pas forcément celui que vous pensez. Et vous ne verrez plus jamais la tarte au chocolat de la même manière !

On retrouve tout ça dans le film, l’histoire y est également racontée selon les différents points de vue, même si c’est moins évident que dans le bouquin. Les personnages d’Aibileen, Minny, Skeeter et de la peste Hilly sont parfaitement joués. Évidemment, il manque certains détails, le caractère et la psychologie des personnages sont moins approfondis que dans le livre, mais c’est souvent (tout le temps ?) le cas dans les adaptations cinématographiques. Le film est néanmoins très réussi et retranscrit parfaitement l’atmosphère et les émotions présentes dans le livre. La réaction de certains spectateurs à la fin du film le prouve : les gens applaudissent…

Un petit avant-gout :

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Pour conclure, La couleur des sentiments est une très belle histoire, convaincante, qui mérite amplement ses millions de lecteurs ou de spectateurs et ses prix, où l’on croise des personnages très attachants, d’autres détestables, avec juste ce qu’il faut d’émotion et aussi une pointe d’humour très appréciable.

Quant à savoir s’il faut plutôt lire le livre ou voir le film, c’est vous qui voyez. L’histoire est très forte dans les deux cas. Mais pour moi, bien que des gens applaudissent le film, il n’a aucun mérite car tout était déjà écrit dans le livre de Kathryn Stockett, et je vous conseillerai donc évidemment plutôt le livre…

Blague à part, saison des concert oblige – ce soir, je ne pouvais absolument pas louper Volbeat : aka mon groupe coup de coeur de l’année. Au bas mot, et à peu près sans déconnade. De la “musique de papa” selon les dires du pote qui m’a fait découvrir le groupe.

Oui, bon j’avoue. Je suis totalement fan de chez fan. Le message est positif, la voix est puissante, les riffs sont entrainants, et …aujourd’hui : en live !Plusieurs raisons à mon enthousiasme débordant : déjà, c’est Volbeat. Nuff said. C’est suffisamment rare et appréciable de découvrir des groupes que tu peux écouter en boucle, boucle, boucle – mais en plus que tu peux aller voir en concert moins de 6 mois après les avoir découverts. Et en plus, j’étais en bonne compagnie, puisque le pote m’ayant fait découvrir cette musique de papa était là, aussi. Une sorte de combo de la win, si vous préférez.

19h40 : grâce aux intempéries de la ratp, et une ligne 4 totalement coincée, me voilà en train de sprinter vers le 50 boulevard Voltaire. Dans ma précipitation, j’ai quand même réussi à oublier de prendre une rituelle photo de l’entrée de la salle. Damned. J’ose espérer que vous me pardonnerez cet écart in0mmable. Les sympathiques membre de Clutch (que j’avais découvert en première partie de System Of A Down il y a quelques mois !) étaient déjà en train de distiller leurs bonnes ondes aux relents sudistes. Une basse toujours aussi époustouflante, et des rythmiques à la cool, un petit “Electric Worry” qui fait toujours plaisir à entendre … ça commençait bien, même si j’étais un peu verte d’avoir loupé le début.

Mais c’est la vie *(en français dans le texte).

Un ou deux morceaux de The Head Cat et d’AC/DC pour nous faire patienter, j’enfile un tee shirt fraîchement acheté au stand de merchandising et me voilà … dans la fosse. No shit.  Tout devant, à droite. Et ça va paraître un peu fou, mais j’ai bien dû voir quelque chose 60% du temps. Ce qui est non négligeable, quand on sait à quel point c’est pénible d’être dans la fosse entourée de poilus d’un mètre quatre-vingt au garrot. Parce que ça tient chaud, accessoirement. Je vous épargne les détails, mais j’avais passablement chaud à la fin du concert, et l’air frais (froid ?) en sortant s’est quand même apparenté à un don des dieux. Au moins.

20h30 – les lumières s’éteignent, et c’est parti pour 1h40 de pure folie joyeuse comme j’aime ! Une petite intro précédée de la douce voix de Lemmy, et le ton est donné avec “Hallelujah Goat”. Lourd, festif. La coiffure très soignée du charismatique chanteur, d’ailleurs très en voix ce soir j’ai trouvé, ne survit pas à la première chanson tellement il fait chaud sous les projecteurs du Bataclan, et – soyons honnêtes, tellement ça bouge sur scène !
J’avais imaginé Volbeat comme un groupe “de papa” sur scène : genre énergiques, mais sans plus. Mes rêves se sont brisés, mais en positif puisque c’est avec une énergie contagieuse et débordante que le groupe va fusionner avec la salle ce soir, et embarquer tout le monde dans une spirale de coolitude terrible (au moins).

Entre chaque chanson, une petite attention pour le public, des remerciements à la pelle, des blagues. Clairement, les Danois sont ravis d’être là, et ça se sent ! Femme de goût que je suis, j’étais du “côté bassiste”. Totalement survitaminé, le monsieur est d’une rare expressivité faciale (je suis tellement enthousiaste et nuagesque post-concert que j’en fais du néologisme à la pelle, mon cas ne s’arrange pas…) et alterne les sourires, les grimaces, les séances de mimes, les mimiques du genre “j’ai mal aux doigts !” et les lancers très précis de guitar pick genre “c’est à toi là précisément que je veux le donner”. Trois micros permettent au chanteur de se déplacer et de pousser la chansonnette aux trois bouts de la salle (bon accessoirement de servir de temps en temps pour des back vocals, ou une deuxième voix…). Un truc que j’ai beaucoup apprécié, c’est qu’ils ont bien évolué dans l’espace, et n’ont oublié aucun bout de la salle – allant parfois jusqu’à faire signe aux gens au balcon histoire qu’ils participent un peu aussi aux levers de bras et claquements de mains.

Des jeux de lumière efficaces, mais qui ont su rester sobres. Et heureusement, ai-je envie de dire. Il faisait une chaleur à crever, alors rajouter en plus du fait que ton coeur finissait par adopter le rythme de la grosse caisse des effets stromboscopiques à la volée, je pense que ça en aurait achevé plus d’un. Moi la première, en fait.
Ambiance terrible donc, setlist bien choisie – même si ils n’ont pas joué tous mes morceaux préférés. En même temps, on m’a très justement fait remarquer en rentrant que de Volbeat, je n’avais que des morceaux préférés…donc bon.
Non seulement ils font de la bonne musique, mais en plus, ils ont de l’humour. En demandant sur le ton de la déconnade ce qu’on voulait écouter maintenant, on a eu le droit à un petit “Raining Blood”, et on a chanté “We Will Rock You” et “I Want to Break Free”, parce qu’on est des personnes de goût bien élevées.

Des dédicaces de chansons qui ont la classe : “Sad Man’s Tongue” pour J. Cash, “Fallen” pour le papa du chanteur qui est décédé il y a deux ans (?), “I Only Wanna Be With You” pour sa femme, mais surtout “Thanks” pour tous les fans de Volbeat qui font que le groupe a pu tracer sa route.

Avant de sombrer dans le bisounoursisme le plus total, et de me mettre à faire des déclarations aussi intempestives qu’impersonnelles aux Danois de Volbeat, je dirai juste que le concert de ce soir m’a confortée dans mon opinion que Volbeat était un groupe qui roxxait des poneys, qui envoyait du bois et du pâté, mais aussi que non seulement c’était cool – mais que ce doux moment rentrera dans mon panthéon des meilleurs concerts auxquels j’ai pu assister.
C’est dit.

Le mot de la fin, de mon pote : “les Danois, c’est pas des cakes et force est de constater que c’était trop bien”.

La setlist du jour, en attendant toutes les vidéos que je mettrai en ligne plus tard (parce que là, il est 3h du matin, et je commence à fatiguer m’voyez) :

1. Hallelujah Goat
2. Guitar Gangsters & Cadillac Blood
3. Mr. & Mrs. Ness
4. Heaven nor Hell
5. Sad Man’s Tongue
6. The Mirror and the Ripper
7. Mary Ann’s Place
8. A New Day
9. The Garden’s Tale
10. The Human Instrument
11. Radio Girl
12. Rebel Monster
13. Still Counting
14. River Queen
15. 16 Dollars
16. A Warrior’s Call
17. Fallen
18. Thanks
19. I Only Want to Be with You
20. Pool of Booze, Booze, Booza

19h50, il pleut des cordes, des chats et des chiens, et je sors du métro à Porte de Pantin …

A 20h pétantes, c’est trempée comme une soupe que j’entre dans le Zénith de Paris. Entre deux dégoulinements intempestifs, et autres essorages de lunettes, c’est avec un beau tee shirt flambant neuf que je rallie la porte G et les gradins. 20h03, donc. Un groupe de jeunes chevelus, totalement survitaminés s’emploie à chauffer la grande salle du Zénith (amputée d’un sacré paquet de rangs, ai-je pu constater).

Au bout de la première chanson, I’m game. The Treatment – et bien … ça poutre des caribous nains d’alsace. Des rythmiques qui donnent envie de santer sur son siège, des soli de guitare propres et bien sentis, un batteur redoutablement efficace, et un chanteur aux beaux cheveux et à la voix qui sent déjà le rock and roll malgré l’apparente jeunesse (pas qu’apparente, mea culpa … ils ont 18 ans les choupis !). De la musique qui dépote, et un batteur au format puce qui bondit autant que l’animal. Un truc qui me touche toujours, c’est les gens qui sur scène ont l’air de prendre un pied monumental, et qui surtout se donnent à fond.
Plus qu’une bonne surprise, j’attends leur premier album avec beaucoup d’impatience, du coup ! (Et dans la série des bonnes découvertes Made in U.K., allez écouter un petit Skip The Use).

Une setlist approximative, et probablement incomplète (j’ai dû louper un ou deux morceaux en plus de ne pas avoir prêté une oreille attentive à l’annonce de toutes les chansons, fascinée par la cappilarité de tous les jolis garçons présents sur scène…) :
1. The Doctor
2. Road rocket (?)
3. Departed (où la salle donne de la voix sur le refrain “bang bang bang”)
4. Nothing To Lose (où la salle agite docilement les bras)
5. Way Of The World

20h26, The Testament quitte la scène, et une attaque absolument affreuse vient entamer l’ambiance. Pas une attaque de zombies, ni de sith, mais une bonne grosse vague de pub – balancée à fond les ballons et relayée par un écran géant sur le côté droit de la salle. Le genre de trucs qui pour moi plombe un peu le côté cool des concerts. Dans les anecdotes de fosse : un rassemblement de poilus, visiblement tout à fait ravis de se retrouver et qui ont levé le bras en criant moult joies, un tee-shirt “Machine Fucking Head”, et un sosie d’Alice Cooper – canne et chapeau inclus. Un purée de grand drapeau / panneau est monté sur le devant de la scène : le sieur Cooper, avec un air fraichement sorti de terre, la main tendue, sur fond de cimetières et de serpents. Un petit côté Halloween fort à propos, j’ai trouvé.

21h01, les lumières s’éteignent et c’est le début des festivités !
Le grand drapeau est éclairé de spots clignotant de mille couleurs, donnant presque vie au visage menaçant qui … ou, pas. Au risque de vous endormir, je vais vous faire la version sans l’envolée lyrique, mon enthousiasme ayant décliné à petit feu tout au long de la soirée.
La tenture tombe, et le ton est donné. Ce sera grandiloquent ! Juché en haut d’une tour/balconnet/truc avec un escalier, Alice Cooper apparaît avec l’une des nombreuses vestes en cuir qu’il arborera ce soir, et qui à la lumière des spots rend son ombre semblable à celle d’une araignée. Derrière lui, perché sur une estrade, la batterie et bien caché derrière : le guitariste. Non, le batteur, s’cusez. Plus bas (sur la scène, donc), 3 guitaristes (2 mâles et une demoiselle blonde) et un bassiste à la stature imposante (grand, quoi) s’animent au fur et à mesure qu’Alice Cooper agite sa canne/fouet vers eux. Un petit coup de pyro dans les mains, le maître de cérémonie descend parmi les mortels et officie pendant une heure et demie.

A grand renforts d’épées, de cannes, de cravaches et autres accessoires, Alice Cooper va tantôt : adouber la foule, faire des signes de croix, lever les bras au ciel, jouer avec une béquille (le genre qu’on a sous les aisselles quand on est un mutilé de la guerre de 14), donner des dollars piqués sur une épée de mousquetaire aux premiers rangs enthousiastes de la fosse (sur la chanson “Billion Dollar Babies”), jouer avec des cannes, se promener avec un serpent de taille conséquente autour du cou pendant une chanson, jouer des maracas, poignarder un photographe (pour de faux, hein …), se faire décapiter (pour de faux aussi …), valser avec une poupée de femme, faire un tango avec la poupée, embrasser la poupée, faire des mouvements de bassin interdits aux moins de 18 ans avec la poupée, taper la tête de ses gratteux avec la poupée, revêtir une blouse blanche un tantinet ensanglantée et des gants mapa rouges, … et changer au bas mot une dizaine de fois de veste en cuir !
Tout un poème d’ailleurs, ces vestes… cloutées, avec des patches, surcloutées, taillées comme des costards, taillées comme des queues-de-pie, avec des fanfreluches, argentées, noires, rouges…et j’en passe ! De quoi faire rêver beaucoup de gens d’horizons différents. Ma préférée restera celle avec un énorme “NEW SONG” brodé dans le dos. Si mes calculs sont bons, trois galurins ont aussi fait partie de la tenue de lumière du môsieur.

Sur scène, c’est un show millimétré au dixième près qui se déroule tranquillement : les gratteux évoluent sur scène deux par deux comme des patineurs artistiques, et enchaînent les poses “photo de famille”, un pied sur le machin prévu à cet effet sur le devant de la scène – mais au milieu pour que tout le monde puisse voir, tout de même. Les rares moments où j’ai eu l’impression qu’ils s’amusaient, c’était -paradoxalement, en théorie- quand ils ont eu chacun leur moment de gloire, et où ils ont tapé un petit solo / petit bout de solo pour certains.

Dans la salle, ça bougeait, mais pas tant que ça. Des bras qui bougent quand il faut, de vagues agitations par ci par là, je crois que le grand moment d’activité intense s’est résumé à renvoyer les ballons géants remplis de paillettes vers la scène sur “School’s Out” pour que le sieur Cooper puisse les éclater avec son épée. Dans les gradins, on s’approchait par endroits du stoïcisme – et c’est avec regret que je vous annonce que mes cervicales n’ont pas énormément gigoté ce soir.

Alice Cooper, c’était totalement un amour de jeunesse. Mes 14 ans, pour être précise. Je me souviens avoir écouté en boucle des trucs bien obscurs du monsieur (genre Welcome to Dragontown ou Dirty Diamonds un peu plus tard), et à l’époque ça me remuait la tripaille. En live ce soir, j’avais un peu perdu la flamme. L’âge sans doute. C’est surtout la pâteuse et désagréable impression d’avoir affaire non pas à un type là pour partager un truc, mais pour délivrer un show et s’amuser. Sauf erreur de ma part, à aucun moment il ne s’est adressé à la salle pour demander comment ça allait, gueuler des blagues ou autre.

Au demeurant, je n’ai rien contre les shows, mais je n’ai pas retrouvé un truc qui pour moi fait la différence entre un bon et un moyen concert (toute musique égale par ailleurs, là il n’y avait pas grand chose à en dire, puisque tout était réglé au poil de derrière du malin, et qui RIEN n’avait été laissé au hasard, jusqu’aux samples d’intro …) : l’osmose entre le public et le groupe. Dans le cas présent, parler de groupe ne me paraît pas spécialement approprié, au sens où tout est fait / présenté de telle façon à ce que les musiciens soient relégués au rang d’instruments 3.0 (ils marchent et ils font les back-up vocals, yay !). Mais au delà de ça, que je trouve un peu nouille (surtout que les soli de tout le monde m’ont confortée dans l’idée que non seulement ils étaient techniquement irréprochables, mais qu’en plus si on leur laissaient un peu de marge interprétative ils seraient foncièrement excellents. Je me dois de préciser qu’en général, les soli de batterie – ça me rase, et que là je suis restée scotchée par la dextérité du dude) j’ai été un peu déçue du manque d’envie que j’ai ressenti en regardant le concert ce soir.

J’avais peut-être des attentes un peu faussées par mes souvenirs enthousiastes de jeunesse, mais je suis sortie du Zénith à 22h36 pétantes avec un petit pincement au coeur, en me disant que non, c’était sympa (parce que oui, voir Alice Cooper faire le clown, c’est divertissant et bien ficelé, et oui, la musique était chouette – mais sans prise de risques terribles non plus) mais sans plus. Un concert sympathique, que je suis contente d’avoir fait avant que le monsieur ne passe l’arme à gauche (reste à déterminer si ça sera une épée ou une canne ou un fouet …), mais sans le petit plus qui me rend bondissante et euphorique au 300e degré.

Et voilà la setlist :

1. The Black Widow
2. Brutal Planet
3. I’m Eighteen
4. Under my Wheels
5. Billion Dollar Babies
6. No More Mr Nice Guy
7. Hey Stoopid
8. It’s My Body (en duo avec le serpent …)
9. Halo Of Flies
10. I’ll Bite Your Face Off
11. Muscle Of Love
12. Only Women Bleed
13. Cold Ethyl
14. Feed My Frankenstein
15. Clones (We’re all)
16. Poison
17. Wicked Young Man
18. I Love The Dead
19. School’s Out
Rappel : Elected (avec un très beau drapeau français…)

La voix de ce roman, c’est donc Eva, mère de Kevin qui, la veille de ses 16 ans, a pris son arc, ses flèches, pour méthodiquement abattre ses camarades de classe. Eva qui, après le drame, revient sur l’enfance, puis l’adolescence de ce fils qu’elle a toujours soupçonné de n’être pas comme les autres. Dans de longues lettres qu’elle écrit à son mari, sans que celui-ci ne réponde jamais, elle dissèque cette relation mortifère entre elle et Kevin, et ses conséquences sur l’ensemble de la famille.

J’avais été drôlement secouée par ce roman. Très bien écrit, sans aucune complaisance, tout en pudeur : Eva ne cherche ni à s’excuser, ni à se dédouaner du drame, mais bien à comprendre pourquoi son fils en est arrivé là, et à déterminer sa part de responsabilité. Et sans jamais sombrer dans le côté gore, qui serait si tentant… un vrai bon roman psychologique, psychanalytique presque, que je vous recommande chaudement.

Pour signer l’adaptation cinématographique de ce roman, Lynne Ramsay, qui a déjà derrière elle quelques bonnes réalisations, et notamment Ratcatcher, un très bon film qui se passe dans les quartiers pauvres de Glasgow. Tilda Swinton dans le rôle d’Eva, John C. Reilly dans celui de Franklin, le père, et le jeune Ezra Miller pour incarner Kevin – les fans de Californication (dont je en suis pas) l’auront reconnu… Un casting de rêve, mes enfants, et l’interprétation est peut-être l’une des plus grandes forces de ce film. Surtout dans la relation entre la mère et le fils. Echanges de regards, jeu du chat et de la souris entre les deux, alors qu’Eva tente de cerner la personnalité ambigüe, effrayante de son rejeton.

La réalisation du film est impeccable. Aucune image n’est insoutenable, l’horreur n’est jamais montrée, mais toujours suggérée et rappelée par une utilisation obsessionnelle du rouge. Références affichées au massacre avec la peinture rouge écarlate qui macule la maison d’Eva, seule au monde, ou plus subtiles, comme la couleur pimpante du ballon avec lequel la jeune mère tente d’atteindre son fils de deux ans, qui se refuse à tout échange. Construit dans une oscillation entre le présent d’Eva, alors que sa vie a basculé après le drame, et le passé qu’elle se remémore sans cesse, le film crée un rythme rapide qui ne donne pas au spectateur de s’appuyer sur une narration téléguidée, mais le surprend toujours alors qu’il tente de comprendre ce qu’il s’est passé, et comment cette famille a pu en arriver là.

Car tout mène à l’acmé, ce moment terrible où Kevin commet l’irréparable, sans le moindre remords. Et le spectateur sort de là, la tête remplie de questions, auxquelles aucune réponse claire et définitive n’est apportée. Comme Eva, nous nous demandons qui est coupable, qui est responsable. Kevin est-il né monstre, ou l’est-il devenu ? Et quelle est la part de responsabilité d’Eva dans cette descente aux enfers ? Un film captivant, qui plonge dans l’horreur de la psyché humaine sans chercher à l’expliquer. Allez le voir avec des amis : vous n’aurez pas fini d’en parler en sortant de la salle…

Malheureusement, les photos (probablement embuées) de l’évènement attendront mon retour à la capitale…mais ça arrive, ne vous en faites pas !

Et maintenant que je suis revenue à la civilisation, il y a même des photos et des vidéos en bonus !

Ambiance oblige, nos premières pérégrinations nous ont conduites, après avoir constaté à 19h qu’on était  sacrément en avance, dans un kebab.
Un sandwiche, un coca et des frites plus tard (l’avenir nous le dira si intoxication alimentaire il y a) nous voilà attablées sur les banquettes de la Chimère à descendre moult bières pour les uns, et une quantité honorable de coca pour votre humble serviteuse.

Un épique combat de pierre-feuille-ciseaux entre homonymes, un énorme paquet de blagues d’un goût pas toujours sûr, un joyeux constat : l’affiche du concert de devianz que j’avais vu il y a quelques années ici collée au plafond, 6 euros pour l’entrée, et un travail sérieux des muscles zygomatiques plus tard… je ne pourrais rien vous dire d’un certain Flow (?) qui assurait la première partie.
Mais quand notre ami canadien a débarqué sur scène …

Tout a commencé avec une des plus belles introductions du monde : le monsieur étant “gêné” de commencer comme ça devant tellement de gens qui le regardaient avec attention, il était l’heure d’aller se fumer une clope et de boire une bière au bar.

5 minutes plus tard donc, nous voilà exhibant fièrement notre tampon sur la main (ou tout autre partie choisie de leur anatomie par les participants ?) dans la sallle de la Chimère. Pour tout ceux qui n’ont jamais mis un pied là bas, et bien… ça sent bon les fleurs, et c’est tellement spacieux qu’on pourrait limite s’y perdre. Ou pas.

C’est carrément pas grand, ça sent la sueur et la bière,le parquet colle, et dès que la salle est remplie, je peux vous dire que ça chauffe sacrément bien. Convivial, on va dire.
Mon arbitrage du short s’est donc révélé une excellente idée, même si ça impliquait un peu de se geler les miches avant d’entrer dans le sauna la salle.

C’est d’ailleurs sur une remarque bien sentie, si vous m’excusez le jeu de mot, de notre chanteur que démarrent les festivités : ça fouette dans la salle. Tout naturellement, c’est le “Requiem pour la marde” qui débute, et je peux vous dire qu’une salle entière en train de brâmer “maaaaaarde” à plein poumon, ça augure bien de la suite du concert.
Seul avec sa guitare, Mononc’ Serge va donc pousser la chansonnette pendant une heure et des briquettes, bien accompagné par une salle chaude comme une baraque à poutine (mais si, mais si, dans mon esprit malade, ça existe).

Le monsieur introduit chacune de ses chansons d’une anecdote amusante, et on en apprend des vertes et des pas mûres sur cette belle contrée qu’est le Canada…
Autour du lac de St Jean, on peut trouver le taux d’alcoolisme le plus élevé d’Amérique du Nord, dit il en regardant le degré de la bouteille de cuvée des trolls qu’un “bon samaritain” lui a apporté [intro : Le lac St Jean], pourquoi tous les concerts de Mononc’ Serge ont été annulés au Nouveau Brunswick  (si je ne me trompe pas de province) [Intro : Les grosses torches acadiennes], mais aussi que les français (maudits !) manquent de discipline, qu’ils feraient mieux de faire autre chose que de boire de la bière, et que si ce soir la salle est pleine de ce ramassis de chômeurs, c’est que personne ne pouvait aller voir Motorhead.

Une leçon de vocabulaire sur les “granola” ou “hippies” comme on dit par ici, et une anecdote sur un certain Tournesol Plante [Hitler Robert], et quelques interrogations sur les métalleux incrémentent aussi les chansons. Après tout, c’est vrai qu’on peut se demander ce que cachent vraiment tout ces déballages d’attributs de virilité, de cuir, de tee shirts noirs et de pilosités abondantes des métalleux…
Les moments les plus croustillants du concert restent quand même l’explication de texte (en réponse à une demoiselle du premier rang qui ne comprenait pas toutes les expressions idiomatiques…) de la danse à 10 (dollars), ou encore “J’suis faux là, mais on s’en fout”, “vos gueules !!!!” (avoir un public discipliné, ça tient du fantasme …), ou “les eaux de Versaille”, mais surtout : “un homme me touche la bite … mais lâchez moi, calice!” en plein milieu des chansons.

Un concert qui met de bon poil (un effet de la poésie virile), qui donne envie de crier encore son amour inconditionnel pour les tubercules (admettez le, c’est bon les patates), la bière (Mononc’ Serge s’étant enfilé une bouteille cul sec pendant la chanson…) ou la marijuana si on prend des drogues. D’ailleurs, j’ai trouvé l’anecdote introduisant “Ogonquit” tout à fait savoureuse, soit dit en passant.

Inutile de vous dire qu’on a gueulé bien comme il faut, et que tout le monde est sorti passablement ruisselant de l’étuve la salle. Un loot de tee shirt plus tard, me voilà enfin (!) dehors, dans le frais lillois, avec – je dois l’admettre, pas du tout envie de pioncer mais plus de retourner chanter ou d’imiter (mal, soyons honnête) l’accent aussi chic que la Chimère de l’excellent trublion canadien.

Histoire de finir en beauté, une petite …setlist :
1. Requiem pour la marde
2. Noël est un jour comme les autres
3. Le lac St Jean
4. Saskatchewan
5. Les grosses torches acadiennes
6. Fourrer
7. Hitler Robert
8. Gala de l’ADISQ
9. Ogunquit
10. Woodstock en Beauce
11. L’âge de bière
12. Maman Dion
13. Destruction
Rappel :
#1 : Les patates
#2 : Gare au Gorille
# Marijuana

Dollar Spangled Banner, Steven Gagnon, 2001

Je n’écrivais plus, je manquais d’inspiration. Durant ces quelques mois, oui, je suis allée au cinéma, oui, j’ai lu des livres… Pas mal de choses m’ont plu, mais rien ne m’a véritablement enthousiasmée. Enfin, si, j’ai trouvé La guerre est déclarée formidable. Mais je n’avais pas envie d’écrire dessus – ce n’est pas comme si vous n’en aviez jamais entendu parler non plus…

Il y a quelques temps, la bibliothécaire me désigne un livre sur la table des nouveautés : “Lisez celui-ci” – je ne sais plus exactement ce qu’elle a dit, mais c’est le ton qui a compté, un ton de conviction absolue. C’était Hymne, de Lydie Salvayre. J’ai pris le livre sur la table et j’ai lu le résumé. Une biographie de Jimi Hendrix, par une auteur dont je n’avais jamais entendu parler… Hm. Certes. Mais ma conseillère avait l’air drôlement sûre d’elle, et puis les bibliothèques, ça sert à tester des livres qu’on aurait pas osé acheter. Bien m’en a pris, bénie soit les bibliothécaires.

Il est de ces moments qui marquent durablement la culture mondiale et l’imaginaire collectif : la performance de Jimi Hendrix le matin du 18 août 1969 à Woodstock, notamment sa célèbre interprétation de l’hymne américain, en font incontestablement partie. Pas besoin d’être un fan pur et dur ni même un acharné des sixties pour en avoir entendu parler. La preuve, je ne suis ni l’un ni l’autre, ma culture musicale est très limitée, et même moi je visualise cette ambiance de fin du monde, et cet homme qui joue de la guitare électrique dans la lumière grise du petit matin.
Comme tout le monde, je vois qui est Jimi Hendrix. Comment l’ignorer ? Mais bon, au-delà de l’image galvaudée du mec qui jouait de la guitare avec les dents, je n’ai jamais tellement cherché plus loin.  D’où mon scepticisme au moment d’emprunter le livre. Heureusement que je me cramponne de moins en moins à mes préjugés…

Prenant donc cet événement pour point de départ de son récit et de sa réflexion, Lydie Salvayre nous raconte la vie du guitariste le plus célèbre du monde (je pense qu’on peut le dire), en s’appuyant autant sur les faits que sur la Légende, et laissant libre cours à son imagination pour combler les trous – ce qu’elle fait avec intelligence et sincérité. Au-delà d’un banal “Hendrix, sa vie, son œuvre”, elle se livre à une déclaration d’amour en bonne et due forme. Plus que ça, même. Son récit est porté par un souffle passionné et communicatif, un élan d’amour et de révolte, mélange d’admiration éperdue et de refus absolu de la médiocrité ambiante, dont l’émergence date précisément des ces années-là, selon elle.

Bien sûr, le personnage de Hendrix ne peut que séduire, érigé comme il est en figure d’ange irrésistible, à la fois grand seigneur et enfant perdu, génie absolu, dans la digne lignée des romantiques, les seuls vrais purs. Ce que Lydie Salvayre raconte, je ne vois pas l’intérêt de le répéter ici. Ce qu’elle dit de la société, de sa révolte à elle non plus. Ce qui compte c’est ce souffle effréné qui anime son écriture, cette incantation qui jamais ne s’égare mais au contraire avance, avance sans cesse et nous entraîne. L’écriture est spontanée, elle vient comme on respire, et pourtant le récit reste structuré, cohérent. L’exemple même d’une passion canalisée à bon escient.

Alors, oui, je suis allée faire un tour sur Internet approfondir ma culture musicale, mais on ne peut pas franchement de révélation. En revanche, je me surprends à vouer un respect immense à cette figure dont l’envergure dépasse largement le domaine de la musique.
Mais ce qu’il faut vraiment retenir de cet Hymne, ce n’est pas tant l’histoire d’un homme dont l’auteur fait un héros, mais la nécessité de la passion qu’il lui inspire. Je vous le même culte à Leonard Cohen (plus poète que musicien, à mon avis, mais ça n’a pas la moindre importance) et “The Future” fait naître en moi des sentiments du même ordre : amour viscéral, respect acharné, envie de révolte, de crier de toute mes forces, de m’abandonner à un élément vital qui ravage tout sur son passage, qui donne forme au sentiment confus que m’inspire la société. On pourrait faire la comparaison avec la brûlure d’un whisky tourbé, qui vous secoue et vous réchauffe, comme une bonne claque – sauf que la violence physique, c’est mal.
Il ne s’agit pas de fanatisme décérébré mais de quelque chose de plus fort. D’inspiration, peut-être. De se retrouver complètement dans une œuvre et d’y tirer la force nécessaire à aller de l’avant, à ne pas se laisser abattre, à ne rien lâcher, jamais. Et n’est-ce pas là ce dont nous avons le plus besoin ?

Blague à part,le DVD reçu et regardé, je vous avoue que je me suis laissé un temps de réflexion conséquent avant de vous livrer mes états d’âme, et en ayant parlé à Suzou,on a décidé de vous pondre un article à deux mains, parce que ça faisait trop longtemps !

Playne m’a gentiment passé son DVD !! Et ça a été une très bonne surprise… J’avais un peu entendu parlé de ce film à sa sortie parce qu’il traite d’une maladie rare, celle dite “des enfants lune” qui ne peuvent s’exposer aux uv.

Déjà, j’ai presque envie de dire que globalement, les films français ont du mal à me toucher. Et là, à l’heure (tardive) où j’écris pour la 3e fois le brouillon de cet article en écoutant les chansons du film (habilement casées dans les bonus), j’aurais du mal à affirmer ça de manière aussi définitive.
Je dois l’admettre, j’ai eu un bon vieux crush sur la musique du film. De la poésie en barre, les amis. Parenthèse musicale mise à part, je temporise, je temporise, mais je ne sais pas par quoi commencer pour vous parler de “La permission de minuit”. J’aurais tendance à vouloir éluder tous les personnages et l’histoire, pas parce que je suis allergique aux spoilers mais juste pour vous laisser la satisfaction de découvrir les interactions entre les différents protagonistes et les couches de relations qui s’entremêlent.

Déjà, il y a David, le médecin. Brillamment campé par Vincent Lindon, on épluche dans tout le film la fragilité terrible de cet homme supposément fort, que ce soit vis-à-vis de ses patients, de sa famille, ou de ses engagements. Cette relation totalement constructrice et destructrice à la fois avec son travail, pas tant pour ce qui est de la relation au métier, mais plus de la relation au patient et de la relation à la recherche. C’est en fait son jeu qui pour moi tire tout le film, il a réussi à camper avec beaucoup de justesse ce qui pour moi est l’archétype du médecin.

Pour moi Vincent Lindon est un acteur tout en retenu et que j’apprécie beaucoup. Et dans ce film, je trouve qu’il livre encore un jeu doux et fort en même temps. D’ailleurs il me semble que le film n’est pas tant  sur le vécu de l’enfant malade mais s’attache aussi à la vie personnelle de ce médecin et sur la manière dont les éléments de sa vie personnelle peuvent influencer sa pratique de la médecine.

Par contre j’ai trouvé au début que la relation entre le médecin, Vincent Lindon,  et Romain, l’enfant malade un peu fausse et un peu “tirée par les cheveux”. Elle est beaucoup trop personnelle et même si les deux personnages se connaissent depuis longtemps, la place du médecin est presque celle d’un père ici.

Totalement, en fait maintenant que tu le dis, je m’étonne de ne pas avoir relevé ça avant. Le départ du père de l’enfant étant concomitant à l’annonce de sa maladie, et donc à peu de chose près du médecin dans sa vie….[Le retour de Playne, aka Captn' Obvious].

Ensuite il y a l’enfant, et là encore c’est le jeu qui fait mouche. Le plus intéressant est quand même que non, il n’y a pas une once de pathos dans tout le film, alors qu’on cause quand même de maladie orpheline pas jojo. J’aurais tendance à dire que tout est dans le regard, et surtout ce qui est passablement amusant, c’est qu’on a l’impression de le voir grandir, avec ses préoccupations d’ado tout à fait normal, entre deux scènes à l’hôpital – quand même.

Ce qui est intéressant et très bien rendu, c’est que l’enfant est tout à fait conscient de sa maladie et de ses risques. Et surtout malgré des périodes plus dures que les autres, la vie reprends toujours le dessus ! La première scène, assez drôle, rend compte de cette dualité permanente entre protection nécessaire contre les rayons du soleil et sa vie d’ado.

Au delà de ce lien très fort il y a bien évidemment d’autres personnages qui grenouillent dans les environs, mais en y repensant – je les ai plus vus en tant qu’excuses pour habiller la relation entre l’enfant et le médecin, ou fournir des pauses dans le rythme.
Globalement, j’aurais tendance à dire que l’enrobage est bon et que le film réussit à décoller sans déclencher une bonne vieille dose de pathos mal géré et sans infantiliser la relation patient-soignant.

Je suis tout à fait d’accord avec Playne. De très beaux personnages, bien joués (Vincent Lindon mais aussi Emmanuelle Devos). Le film évoque un sujet plutôt grave mais sans tomber dans l’apitoiement et est même porteur d’espoir !!!! Mais bon, pour ne rien vous cacher j’ai quand même verser une petite larme

En bref, on a apprécié, on passe un joli moment. Et on attend votre avis sur la question

Hier soir, l’Olympia a résonné aux rythmes afro du Staff Benda Billili ! La soirée a été comme un voyage : en première partie, le très farfelu groupe britannique des Triaboliques a tenu la barre ! A l’écoute,  et à mon goût, le premier morceau a été un peu laborieux : un peu du genre Radiohead-je-me-mets-une-corde-et-je-me-pends… Par la suite, leur prestation a été un peu plus sympa et extrêmement variée : mélange, aux airs de guitares, de Carmine-Francis Coppola (dans Apocalypse Now) Ben Harper, Mark Knopfler, Santana, ou encore Yann Tiersen… Dans l’ensemble, des univers plutôt sombres mais assez mélodieux et qui accompagnent sympathiquement les thématiques du groupe : l’amour, l’emprisonnement, l’émigration, etc. Dans le même temps, on peut s’étonner de cette hétérogénéité dans l’univers du Triabolique qui m’a inspiré un sentiment de manque de cohérence de l’ensemble. A part, ça, le groupe inspire la sympathie. Par exemple, ils affirment ne pas parler français et, dès qu’un des membres du groupe sort une expression purement franchouillarde, un autre sort un son aussi guttural que primal de sa gorge : « OHOOOAAARHJJJHHGH AIME FRANCEEE UIIIII » ! Très drôle et ETONNANT !

Le Staff Benda Bilili est entré en scène tout à fait ponctuellement et ce, pour environ 1h50 de concert qui ont failli me donner des palpitations ! Ce concert a été une entière découverte pour moi puisque je n’avais vu, ni le film inspiré du parcours du groupe, et je n’avais pas non plus écouté, leur musique en CD ou sur l’Internet. La surprise a été à la hauteur de mes espérances ! Les huit artistes sur scène ont assuré un show digne de stars qui ont tourné sur les scènes occidentales depuis des dizaines d’années ! Après tout, c’est plutôt logique puisque le groupe s’est tout de même fait connaître dès 2005 à l’occasion d’élections au Congo : à cette occasion, le groupe enregistre un morceau, sous la bénédiction de  la Mission de l’Organisation des Nations Unies en République Démocratique du Congo) pour appeler les citoyens à aller voter… L’histoire aurait mal fini, puisque le Staff a, d’après ce qu’on dit, porté plainte contre la MONUC, mauvaise payeuse…

C’est entre 2009-2010 que Le Staff Benda Bilili envahit doublement l’Europe et les Etats-Unis (et même… le Japon !) : à la fois avec le film Benda bilili ! et leur premier album Très Très fort.

Pour être honnête, jai eu un peu de mal à entrer dans les premiers morceaux. Mais très, vite on se laisse emporter presque dans une forme de transe, sachant qu’on retrouve dans les différentes chansons certaines tonalités ou certains rythmes déjà entendus dans les morceaux précédents. Ici, à la différence de la performance des Triaboliques, l’ensemble du spectacle est extrêmement cohérent. J’ai trouvé leur performance beaucoup plus variée du peu que je puisse connaître de la musique africaine (musique africaine regroupant elle-même un panel infini de créativité). Dailleurs, chez Staff Benda Bilili, qui chante la tolérance, la diversité, la force et la capacité de vivre avec et dans la différence, les inspirations proviennent d’univers aussi différents que la salsa, la rumba, la funk, le rap, la soul, le gospel, le jazz, le rock… bref, « toute la musique qu’on aime » !

Comme vous pouvez le comprendre, les inspirations du Staff sont fortes et rythmées et c’est vrai que, pendant le spectacle, le public n’a pas un moment pour souffler. Bon… Selon moi, c’est bien… Et pas bien ! Personnellement, J’apprécie qu’un concert compose avec des moments plus paisibles, précisément pour profiter des temps plus enflammés et endiablés. Dans le même temps, ce rythme insoutenable reflète la force et l’énergie des musiciens, discrets mais tout à fait à l’aise avec leur public parisien entièrement acquis dès la première minute.

Bravo donc à Ricky, Coco, Theo, Djunana, Cabossé accompagné de leur section rythmique, Montana (batterie), Cavalier (basse) et Roger chanteur et créateur d’instruments cocasses créés de bric et de broc : boite de conserve, fil de fer et fil de nylon. Je me suis tout de même demandé à certains moments ce qu’il faisait sur scène vu qu’il avait l’air, à chaque début de morceau, de galérer à préparer (ou réparer ?) ses instruments… Bravo et merci à eux de nous avoir offert ce moment de bonheur et de générosité en ces jours qui commencent, finalement, à sentir l’automne.

Merci aussi à eux, d’offrir une jolie rentrée à Culture’s Pub.

“Si Alien est effectivement le point de départ de ce projet, du processus créatif est née une nouvelle mythologie et un nouvel univers dans lesquels l’histoire aura lieu. Les fans reconnaîtront sans doute des éléments de l’ADN d’Alien, mais les idées abordées dans ce film sont uniques, ambitieuses et provocatrices.”

Même si le film Prometheus sera inspiré d’Alien, les fans, dont je fais partie, ne peuvent qu’être déçus qu’un cinquième véritable volet ne soit pas réalisé. C’est pourquoi, l’idée m’est venu d’écrire un article sur la saga Alien et d’expliquer en quoi cette saga est fascinante. Mais cet article ne va pas se concentrer sur une revue des quatre films, mais plutôt sur les Aliens en eux-mêmes et en quoi ces créatures méritent bien toute cette adulation.

En 2050 environ, les Humains découvrent la technologie permettant de coloniser la galaxie. Il y a la compagnie Weyland qui développe la robotique et l’intelligence artificielle (les androïdes) et la compagnie Yutani qui est impliquée dans la recherche et la colonisation spatiale. La compagnie américaine Weyland fusionne avec la compagnie japonaise Yutani et forme la Weyland-Yutani Corporation. Des planètes, autres que la Terre, sont terraformées. Thédus est une planète située à environ 40 années-lumières de la Terre.  Fiorina16 est une petite planète orbitant à l’intérieur d’un système d’étoiles binaires. Xarem est une planète minière riche en nickel. La Terre est la troisième planète du système de Sol. Elle reste le siège de nombreuses multispatiales. Acheron / LV4-26 est la planète où la première créature Alien a été rencontrée (premier film).

Ellen Ripley (jouée par Sigourney Weaver) est née le 7 janvier 2092, à Olympia, Luna, UA. En 2101 environ, le Nostromo, vaisseau commercial de Classe M (vaisseau du premier film Alien), est mis en chantier. En 2120, l’équipage du Nostromo est constitué. L’objectif de la mission est que le Nostromo doit faire un chargement de 20 millions de tonnes de minerai en raffinage automatique sur la planète Thédus. L’ordinateur principal du Nostromo réveille l’équipage qui était en hyper-sommeil (ou biostase) pour analyser une émission d’origine extraterrestre. La biostase (ou animation suspendue) est un état assimilable à l’hibernation qui est aussi appelé « arrêt réversible de la vie ». L’équipage composé de sept astronautes apprend qu’il est tenu par la société qui l’emploie, Weyland-Yutani, d’enquêter sur toute possibilité de vie extraterrestre. Cette société est motivée par le potentiel économique que représentent les créatures Aliens, elle cherche à s’emparer des Aliens afin d’en faire des armes.

Voilà, c’était un bref résumé du contexte. Ce qui fait le succès des films, c’est plus les créatures Aliens, que l’histoire en elle même. A mon avis, si on enlève les Aliens tout en gardant la même histoire, alors les films n’auraient pas autant eu de succès. Ce ne sont pas des simples monstres qui ont été inventé comme ça pour être les méchants d’un film. Ce sont de véritables êtres vivants qui ont une complexité et une crédibilité qui intrigue.

Les films présentent le premier contact avec les  Aliens avec des œufs. Kane, un des membres de l’équipage du Nostromo (premier film) est entré dans le vaisseau extra-terrestre, le Derelict, écrasé sur la planète LV-426, dont l’apparence est étrangement osseuse et arrondie. Apparemment il n’y avait qu’un seul passager dans ce vaisseau : le pilote du Derelict. Toutes les informations concernant le Derelict ne sont en général que des déductions ou des hypothèses. C’est effectivement à partir du Derelict qu’il faudrait chercher pour connaître l’origine inconnue des Aliens.

L’œuf des Aliens mesure environ 1 mètre de hauteur et 70 cm de diamètre. Le sommet de l’œuf est formé de quatre pétales qui s’ouvrent de manière synchronisée lorsque la présence d’un hôte est détectée. A la base de l’œuf se trouvent des tentacules qui s’étendent sur le sol. La détection de l’hôte repose sur l’hypothèse montrant que la différence entre la température de l’hôte et celle de la Ruche serait responsable de l’ouverture de l’œuf. Ainsi les pores à la surface de l’œuf auraient la capacité de repérer des changements de température et aussi d’odeur avec une grande précision. Les tentacules au sol complèteraient le dispositif de reconnaissance en détectant les vibrations au sol.

Dans l’œuf, on pourrait croire qu’il y a le “bébé Alien”, mais en fait ce n’est qu’une étape du cycle de vie des Aliens. Les Aliens ont besoin d’un hôte, mais pas forcément un humain. Dans le troisième film Alien, l’hôte est un chien (ou une vache, selon la version Director’s Cut du film). Selon l’hôte, l’Alien qui naîtra aura une morphologie différente. Par exemple, dans le troisième film, l’Alien a une morphologie de canidé puisque son hôte était un chien. Dans les autres films les hôtes sont des humains et les Aliens engendrés ont une morphologie d’hominidé (et même à la fin du quatrième film, il y a carrément un nouveau Alien de couleur blanchâtre avec des yeux, etc… qui est l’Alien ressemblant le plus aux humains). Ce qu’il y a dans l’œuf des Alines, c’est une sorte d’araignée : Le Facehugger (« agrippeur de visage »).

C’est sans doute le Facehuggeer qui est le plus à craindre. Vous auriez le plus peur devant un Alien ou un Facehugger ? Parce que l’Alien soit il vous tue direct (vous avez pas le temps de souffrir), soit il vous capture pour vous mettre dans un cocon, mais ensuite comme vous dormirez vous souffrirez pas. Le Facehugger il vous attrape pour vous offrir un cadeau : un Alien dans le corps. Ensuite vous vivez avec avant de mourir dans d’atroces souffrances, et même si vous vous suicidez, vous souffrirez car le suicide n’est pas un acte de joie.

Le Facehugger est une créature qui mesure approximativement 1m50 avec la queue et possède huit pattes ressemblant à des doigts. Le but du Facehugger est uniquement d’engendrer dans un hôte, après quoi, la mort du Facehugger survient 15 minutes plus tard. Les pores présents sur la peau de l’abdomen du Facehugger détectent la température, les odeurs ou les phéromones ainsi que les changements de densité de l’air. Ainsi le Facehugger peut attaquer son hôte et le repérer dans l’espace. Dans le cas où la première attaque ne réussit pas, le Facehugger se remet sur ses pattes et court se cacher pour mieux surprendre l’hôte. Pour faciliter l’attaque de l’hôte par le Facehugger, les Aliens captures les proies humaines sans les tuer mais les enferment dans des cocons où seules leur têtes est à l’extérieure. Afin d’assurer la survie de l’hôte, le Facehugger doit nécessairement respirer pour lui puisqu’il se trouve être plaqué sur le visage de l’hôte durant la période d’implantation de l’embryon.

Certains d’entre vous se disent que leur corps et leur système immunitaire rejetteront et détruiront l’embryon Alien, car ce sera un corps étranger, comme pour les greffes non compatibles. Bah non, car les Aliens sont plus intelligents que vous, puisque le système d’implantation du Facehugger introduit des enzymes chargés de modifier de manière notoire l’ADN de l’hôte, et ce de manière à préparer l’organisme de l’hôte à l’incubation (ou la gestation!), probablement pour éviter tout effet de rejet et/ou de destruction de l’embryon.

Une fois, que le Facehugger vous a capturé, c’est trop tard pour vous car un Alien est en train de se former dans votre corps. Sauf si vous vous faîtes opérer, mais hélas aujourd’hui en 2011 la chirurgie ne le permet pas. Mais vous pouvez en revanche aller vous suicider comme Ripley à la fin du troisième film.

Le Chestburster (« exploseur de poitrine ») est une petite créature d’environ 50 cm de longueur avec la queue. Sa peau est de couleur jaune-brun. Il se présente à la naissance comme un serpent dépourvu de jambes, les bras étant de taille très réduite. Il semble cependant que la morphologie du Chestburster à la naissance dépende beaucoup de l’hôte dans lequel le Facehugger a engendré. La durée du développement de l’embryon en Chestburster après la mort du Facehugger est comprise entre 2 et 4 heures sauf si l’embryon doit devenir une Reine : dans ce cas le développement de l’embryon en Chestburster peut durer de 8 à 12 heures. Lorsque le Chestburster est complètement développé, celui-ci sort en perforant la cage thoracique de l’hôte, qui meurt. Le Chestburster se présente alors comme un serpent dont les membres sont disproportionnés : la tête est soudée au reste du corps et les deux bras atrophiés sont repliés.

La deuxième bouche de l’Alien est un muscle très puissant logé dans la première mâchoire de l’Alien, sa longueur maximale est de 20 cm. En action, la deuxième bouche devient extrêmement rigide de manière à assurer une force d’impact capable de broyer des os ou de briser des matières solides.

La Reine Alien mesure environ 4.5 mètres de haut et possède une force phénoménale. Sa tête est une sorte de longue couronne à peu près triangulaire et aplatie. Elle possède quatre bras (deux primaires et deux secondaires), deux jambes et une queue d’environ 3 mètres de long. Elle est maintenue cachée durant les longues périodes de ponte pour une raison encore inconnue. L’abdomen pondeur de la Reine mesure environ huit mètres, il ressemble à un gros sac tubulaire et translucide qui se rétrécit progressivement jusqu’à la base de l’abdomen de la Reine auquel il est rattaché. On estime qu’elle pond environ un œuf toutes les 20 minutes… La Reine nait fertile. Il semble qu’un cycle soit composé d’environ 250 œufs, une fois le cycle terminé, et, comme la Reine ne peut pas être fécondée, son abdomen pondeur se nécrose et une nouvelle Reine prend sa place à la tête de la ruche. Les expériences menées à bord de l’USM Auriga ont montré que la Reine pouvait ajouter un second cycle très différent du premier, la Reine développe alors un utérus externe et engendre un hybride : le newborn (l’Alien à la fin du quatrième film).

Ripley: Vous savez Burk, vous êtes pire que ces créatures… Elles, elles n’essaient pas de se massacrer entre elles pour tirer le plus gros paquet de frics!